Avant de plonger dans la réalisation de votre oeuvre, il est important de définir ce qu'est une composition abstraite. Un tableau abstrait est composé principalement de formes, de lignes, de taches, ou/et de traces. Toutefois, le sujet n'est pas là pour suggérer quoi que ce soit en rapport avec la réalité, contrairement à une composition figurative dont l'oeuvre représente quelque chose en lien avec la réalité telle que nous l'a connaissons: paysage, personnages, animaux.
La peinture abstraite est une forme d'expression qui a vu le jour au cours de la deuxième décennie du vingtième siècle, d'où un tournant radical et déterminant pour la peinture, soit l’invention de l’abstraction. Certes, depuis la nuit des temps, des formes non figuratives ont été utilisées au sein de programmes décoratifs, par exemple formes grecques ornant les terres cuites de l’Antiquité, les arabesques des ferronneries baroques ou les volutes de l’Art Nouveau. Toutefois, ces motifs étaient voués à des finalités esthétiques, comme l’embellissement d’un lieu ou d’un objet.
La démarche qui caractérise les maîtres de l’abstraction du début du 20e siècle consiste à proposer, purement et simplement, une "image abstraite".
Les peintures abstraites sont des images autonomes qui ne renvoient à rien d’autre qu’elles-mêmes. Dans ce sens, elles s’apparentent aux icônes de la religion orthodoxe manifestant la présence d’un contenu plutôt qu’elles ne le représentent, mais, à la différence de ces images religieuses, les peintures abstraites rompent avec le monde des apparences.
Elles révèlent l’existence de réalités jusqu’alors invisibles et inconnues, que chaque artiste détermine à sa façon, selon ses propres convictions, son parcours et sa culture. Chacun des quatre artistes pionniers de l’abstraction, Frantisek Kupka, Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch et Piet Mondrian, aboutit ainsi à sa propre formulation de l’abstraction, indépendamment des autres.
Lorsque vient le temps de réaliser une oeuvre abstraite, l'équilibre est une des notions les plus importantes à considérer afin d'obtenir une oeuvre harmonieuse, expressive et surtout facile à lire.
Voici 4 facteurs d'équilibre à considérer, pour la réussite de votre oeuvre abstraite:
1) Les lignes et les formes
En abstraction, les lignes ont un rôle très important à jouer car c'est de ces éléments que la composition prend naissance.
D'un point de vue logique, la ligne est là pour diviser l'espace en multiples zones.
2) La composition
La composition constitue le noyau de l'oeuvre, c'est-à-dire qu'elle englobe autant la variation des formes, le dynamisme des couleurs et l'équilibre des pleins et des vides que l'unicité du sujet. Afin de faciliter la compréhension de la composition, imaginez votre canevas comme si c'était un plan de travail sur lequel vous devez disposer des objets tout en laissant des espaces vides. En divisant votre oeuvre selon de simples règles de base, vous facilitez grandement la mise en page et, par surcroît, la lecture de votre oeuvre.
3) Les proportions
Imaginez que vous habitez une jolie maison mais dans laquelle se trouve une minuscule salle familiale. Vous tentez tant bien que mal d'installer votre canapé qui, malheureusement, occupe la presque totalité de l'espace. Il est tellement imposant que vous pouvez à peine circuler dans la pièce. De plus, vous devez y ajouter un téléviseur, les tables d'appoint, les accessoires et l'éclairage.
Il reste si peu d'espace au sol que vous et les membres de votre famille êtes restreints dans vos mouvements. N'est-ce pas étouffant?
Appliquez maintenant cette logique organisationnelle à votre oeuvre. Si vous tentez d'inclure des éléments disproportionnés à votre support, vous risquez de perdre tout l'intérêt de votre sujet ou de votre thématique. Pire, votre oeuvre risque d'être complètement ratée et ce, même si les couleurs et les formes sont intéressantes.
Quelques pistes sont à considérer afin d'équilibrer les proportions d'une oeuvre d'art, dont celle que j'ai intitulé, "La règle du triangle". Règle que j'explique dans mon cours en ligne: Réussir une oeuvre abstraite combinée aux textures, aux couleurs et à la matière.
4) les valeurs et nuances des couleurs
Le contraste correspond à une opposition marquée, une différence de propriété: taille, orientation, forme, valeur, couleur entre deux ou plusieurs éléments. Le contraste est très utile pour le designer car il permet d’attirer l’attention de l'observateur vers un sujet particulier et, donc, d’orienter son regard. En peinture, le sujet principal est souvent beaucoup plus contrasté que les éléments secondaires de la composition.
Les connaître permet au peintre ou au designer d’accentuer, d’atténuer ou de supprimer ces contrastes afin d’apporter à ses créations plus de force expressive.
Le peintre Suisse Johannes Itten, (1888-1967), professeur du Bauhaus de 1919 à 1923 a distingué sept contrastes de couleurs.
Si vous désirez bien comprendre les notions d'équilibre d'abstraction en technique mixte et en peinture acrylique, je vous invite fortement à suivre ce cours en ligne: Réussir une oeuvre abstraite combinée aux textures, aux couleurs et à la matière.
Vous sauverez bien des heures d'essais-erreurs, je vous le garantis